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时下侵染在书画圈的艺术家们，无论创作或是对艺术的点评，往往忽略了一些最核心的问题，就是在创作过程中对艺术概念的模糊化。很多书画家把精力专注于炫技上，而对作品想要表达的某些意图却难以把控，致使流布在世面上的书画作品出现平庸。而迷恋在笔墨技巧中的探索者们，都深陷在技术层面左右摇摆，一大波追随者仅凭虚名而效仿，让浮躁的书画群体乱流横飞。从主观上说书画从业者都想走捷径，在无规则的学术背景下，盲从的去寻求突破，企图走出创作的瓶颈期。实际上，看似攘来熙往的书画界，早已迷失了艺术创新的方向，在乱象丛生的书画利益博弈中，很难去评估一位书画家的地位。从另一个角度看，更多则是真正艺术批评的缺失，当下的艺术批评分为了两个导向，一个是无限度的表扬，另一个就是主观性的碰瓷。无限度的表扬是堆砌大量的赞美词语，或引用古今名人的一些经典术语，粘贴到对某些艺术作品的评论中，让一幅低劣的作品瞬间超然绝俗。反之则专门挑选名头大的艺术家，以无厘头的批评语境开涮，却不能深入进艺术家的创作核心，去探讨其作品内在的优劣根源，而适得其反的演变成了笔墨闹剧。大凡这种表扬或碰瓷的文字，无法给人以多少有价值的东西，甚至让观者对艺术的概念混淆而错乱。更别说让创作者从中有所醒悟，所谓的表扬或批评都表现在肤浅的层面，大部分评论的语境落入一种表象化中，最终都会成为一堆无聊的文字游戏。

如何评估书画家的地位，这应该属于艺术多层面的学科，但恰恰却被某些评论撕掉了他的厚重。书画艺术随着时代的发展而前行，按说凭借几千年积累和去伪存真的沉淀，早已褪去尘埃脱茧化蝶。事实上，目观当下的书画家都自我感觉天下第一，实质对艺术的认知退化到了蒙昧程度，甚至对书画审美缺乏最基本的觉悟。如果梳理历代美术史的学说，古人论画都能深入浅出的介绍绘画的论理，从中可以寻找和归类出艺术的法则，形成一条传承下去的路径。如唐代张彦远在《历代名画记》中详尽阐述了绘画的特性，从学理层面进行过很好的表述。他能够在繁杂的笔墨中提炼出规矩，他的画论内容广泛而深邃，在肯定前人绘画技术和经验时，警醒创作者道德与时代的价值和意义。他又特别强调艺术的形式和思想性，表达了无“意”而无“趣”的法理。大凡精通书画都懂得“外师造化，中得心源”，且要求“意存笔先，画尽意在”的理念，最终能够达到“以形写神，形神兼备”之作就是上品。但具体到“意”和“神”在学理上称为“气韵”，而“气韵”在绘画术语中虽然是特定的构成元素，但通俗的说是一种艺术化的精神写照，以及作品表现出的神采和意境。张彦远虽然在《历代名画记》中有自己的主张，但也认可艺术是需要天赋和创造的，强调“气韵”的道法自然而又万法归一，切勿过度追求精细化的写实性。因此他倡导：“本于立意，而归乎用笔”，艺术创作的技巧必须根植于立意和用笔上，立意从某种属性上是一种思想，笔墨裹挟着思想其作品才会有生命力。张彦远的理论学说奠定了绘画的本质，他对艺术的品鉴明确了特定时期审美尺度，他对艺术的评论可以说深入画心。古人从来不盲目的去随意评价某个时代绘画态势，而是坚持艺术的客观标准，以作品去对应画家的人生阅历，深入浅出的以理渡人。今人更应该守住学术的底线。评估书画家的创作水准要从不同的角度看问题，要站在客观与公允的基础上，以历史和辨证的观点。切勿以个人的好恶而见优劣，坚守住“不以物喜，”“不以己悲。”的态度，更不能碰触艺术家的私人空间。

诚然，当下很多书画家对一些绘画概念似懂非懂，在把玩水墨技巧或书写中，总是禁锢在复述前人的痕迹上，很少跳出固有的形式去寻找创新，让视线拓展到更宽泛一些。人们经常说的意象、趣味、境界等概念，放到创作的实践中，有的书画家也许是一知半解，甚至不懂这些词句的真正含义。所以，他们无法站到高处去真实感受大千世界，在创作中难以表现出属于自己的东西。什么叫意象和境界，具体的讲，当你创作一幅作品的时候，脑海里会浮现出所要表达的具象东西，而具象会随着创作的情感而变化。你的价值观与审美意识都会凝结在笔端，再根据你的构思表现在作品里。而境界就是链接起你的一个个意象，呈现给观者面前的一种形式，作品的优劣是检验创作者的综合素质。看似简单实质放到应用上，期间蕴含了作者的学识和价值观，包括技法的熟练应用和创造性。

评估一位书画家的地位，就看在创作中是否把握从具象转化成意象的过程，如果只能沿袭前人的一些经验，作品就会呈现出千篇一律的模式化东西。无论技术再好也是很难提升到一个高度，作品不会欺骗真正的鉴赏家。意象如同一片树叶，看似相同实质是千变万化，因为每一个人的思维变化是不一样的，艺术家的创作过程就是一种知识积累的呈现。说的宏观和高大上一些，评估书画家就看他站的高度是否到位，因为他作品表现的境界所决定，而且能够代表了他的艺术水准。再说批评领域，目观当下对艺术的评论，无论表扬或是批评，单纯的从表层现象去评判，不会给艺术发展带来任何实际的意义。评判和定位一位书画家，要从他的全方位展开，包括艺术家的成长经历，和他对世界观及价值观的认知度。如果缺失了这些元素，单从一幅作品的好坏去判断有时会落入片面，因为每个人眼中审美尺度不一样，而且创作的环境会存在某些局限性，作品随之会出现很多差异。历代画论都强调绘画的文化品位，尤其强调对画家人格与境界的要求，评估书画家最看重的是文化修养和人格的独立性。

如何评估书画家的地位，艺术批评起着决定性作用。艺术批评必须站到学理的层面，通过作品和所展现的创作程序，能够对艺术的发展起到借鉴和推动作用。而不是宣泄某种表象的情绪，或无底线的推动一些垃圾品到处招摇。现时的批评都是凭借个人好恶来认可或否定，没有一个清晰的认识和学术标准。事实上，评判和确立一位书画家的地位，主要看他积累的知识有多厚，去审视他的阅历和思想以及艺术技巧的熟练度，是否在作品中能够找到共性的技法。历史最早的艺术评论是南齐谢赫的《画品》，他对魏晋以来众多的画家都有过评说，可以说是对中国画评判的启蒙者。他在品评画论中总结了很好的经验，以此创建了绘画的“六法”，而他的“六法”论成为绘画艺术极具价值的理论体系。气韵生动、骨法用笔、应物象形、随类赋彩、经营位置、传移摸写六种技法影响了历代绘画的走向，他的意义在于给传承与创造构建了桥梁，从而系统化的确立了绘画理论的基石。历代的学术和理论都是建立在实践中，是在繁琐的创作或品鉴过程中去伪存真，是通过经验所产生的理性认知和论证。如五代荆浩《笔法记》提出的“六要”论：“一曰气，二曰韵，三曰思，四曰景，五曰笔，六曰墨”，就详细概述了笔墨在绘画中的实践与价值。他强调了“笔者虽依法则，运转变通，不质不形，如飞如动，墨者高低晕淡，品物浅深，文彩自然”，理性的阐述了笔与墨的关系，笔墨相互辉映才能发挥最好的艺术效果。对应古人的画论，时下艺术批评早已退步到“假大空”的程度，去迎合书画乱局中的名利纷争，以此很难评估一个书画家的真实水准。

艺术创作需要一种思想的支撑，没有思想的作品很难走向高度，无论如何炫技也不会好到哪里去。即便技巧如何熟练和老道，也不可能走向高远的境界。艺术的思想性至关重要，在历代画论中都强调意溢于形，故而缺失新意和思想的定位，再唯美的“形”也无法表达某种意图。如何去评估书画家的地位，要充分关注他作品和阅历的相互关系，不可偏执于一端。同时，更要考虑到作品思想内涵与内容的丰富性。说的更为明确一点，书画家的地位是要让作品说话，作品回归自然能够创建属于自己的风格，能形成具有学术性的创新模式，才称得上真正艺术家。书画家仅凭借技巧夺人眼目，技术即便有所探索和创新，如果缺失了思想的把控和提炼，在构图形式和笔墨运转时，很难从“意象”途径中转化到一种境界。即便熟读“外师造化”“中得心源”“意在笔先”的精髓，心中无“意”也难以进入到“成竹在胸”的画面。艺术发展需要在创造、欣赏、批评中确立理论和总结经验，也就是说，艺术是通过审美论证与技法实践中去完善，是要经历漫长的创作实践奠定理论根据。评估一位书画家的地位，需要对照他的创作水平和思想高度，以及在学术上创建的独立体系。包括艺术内容和所代表的流派，以及个性化的语境与审美视野进行评判，除此之外皆为过眼的云烟，终究会成为瞬间的镜花水月。（文字配图选自乔维涂鸦）